3.4.08

Circle Jerks "Group Sex "



Circle Jerks "Group Sex"

1. Deny Everything
2. I Just Want Some Skank
3. Beverly Hills
4. Operation
5. Back Against The Wall
6. Wasted
7. Behind The Door
8. World Up My Ass
9. Paid Vacation
10. Don't Care
11. Live Fast Die Young
12. What's Your Problem
13. Group Sex
14. Red Tape

Este disco está -sin duda alguna- entre los mejores discos reseñados en esta selección por una serie de factores. Pero por encima de todo lo que hace grandioso a este disco resulta una obra poderosa, contundente e impactante. Lo que fue definido como "el declive de la civilización occidental" por la documentalista Penelope Spheeris tiene como protagonista a esta banda junto a contemporáneos como Black Flag, Germs y Fear entre otros. Este documental, al igual que otros como American Hardcore, muestran la contradicción de que lo que es considerado lo más bajo, al mismo tiempo puede ser una manifestación elevada del genio musical de una era.
En un Estados Unidos que se sumergía en una era conservadora impuesta por el gobierno de Reagan y un nuevo boom de crecimiento económico y de consumo, un reducido número de sujetos que no se integraban o eran excluidos de la promesa américana gestaban un movimiento que influenciaría profundamente la música y el espíritu de rebeldía de nuestro tiempo.
Al comienzo decíamos que existían muchas razones que hacían de este disco una gran obra de arte.
En primer lugar las canciones. Las 14 canciones son excelentes. El sonido es completamente original. Furioso. Bellamente desprolijo. Un sonido que a pesar de ser producido por jóvenes inexpertos en un campo aún sin explorar, se resuelve con mucha pericia.
Un disco con mucho rítmo. Donde todas las canciones tienen un enfoque rítmico ecléctico dentro del esquema clásico del genero. Hay cambios de rítmos interesantes. Cortes. Estribillos memorables. La música de Circle Jerks posee mucho rítmo, lo que invita a bailar el clásico pogo como es descrípto en muchas imágenes que presentaba la banda en el arte de sus discos y los bolantes y afiches de sus recitales. Acontecimientos legendarios en la California de comienzos de los 80. Un pequeño paraiso suburbano que entraba en una bonanza económica y una era conservodora impuesto por su ex-gobernador, el actor Ronald Reagan.
En una tierra de felecidad un grupo de inadaptados se reunía en los márgenes creando una comunidad con nuevos códigos. El código que aquí analizamos -la música- manifestaba todo el odio y rabia que sentian contra el sistema que se les era impuesto. En cierto sentido la música de Circle Jerks es la vanguardía, la primera línea de ataque en este movimiento de resistencia. La música de Circle Jerks -incluso en comparación con Black Flag- es más agresiva, que buscaba un efecto de levantamiento, rebelión contra la autoridad. En este sentido hay casi un aspecto práctico de esta música. Por ejemplo la canción "Deny Everything" puede ser interpretada como un consejo práctico. "Negá todo". "Soy inocente hasta que se pruebe lo contrario: Negá todo!" Un consejo muy útil.
Es muy curiosa la canción que le da nombre al disco: Group Sex. Básicamente es un comercial, un aviso radial, de un lugar para tener sexo grupal. Incluso dejan el teléfono para que llamen: 213-659-3756.
Por sobre todo, este disco es Conciso. En menos de 20 mínutos se extingue dejando la necesidad de escuchar más de este testimonio que revive la valentía que encierra la historia de David y Goliath. El pequeño se enfrenta sin miedo al gigante. En esta historia David no puede con Goliath, pero eso no logra aplacar su enojo.


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10.3.08

The Police "Ghost in the machine"



The Police "Ghost in the machine"

1. Spirits In The Material World

2. Every Little Thing She Does Is Magic

3. Invisible Sun

4. Hungry For You (J'Aurais Toujours Faim De Toi)

5. Demolition Man

6. Too Much Information

7. Rehumanize Yourself

8. One World (Not Three)

9. Omegaman

10. Secret Journey

11. Darkness

Lo que hace que este disco clasifique en esta lista se debe menos a la popularidad que ha tenido tanto the police como Sting -tampoco le resta- que la fusión musical que se estaba gestando prematuramente en este trío inglés. Esto se puede relatar así porque vemos la película desde el final, después de la vuelta de esta banda, después de los supershows, después de la campaña de medios para re-instalar a la banda.
A pesar de todo esto, dejando de lado el punto de vista particular desde el momento en que realizamos la retrospectiva, no podemos dejar de sorprendernos, al menos sentir algo -quitando la nostalgia (si fuera posible)- con la música de este disco.
La forma en que este trio ensambla su música, la manera en que llenan el silencio del vacío de forma mínima, con la ornamentación necesaria, trazos sugestivos, rítmos animados, melodías memorables, armonías complejas y accesibles. Convergencia es una palabra que nos puede servir para señalar el efecto de encuentro que se escucha en este disco. La convergencia de géneros, como el rock, el pop, el reagge y el jazz.
Todo esto presentado con mucha vehemencia, como si esto no fuera pura casualidad. Como si admitiaran que esto no es así por casualidad. Como si esto fuera algo premeditado. El mismo título "Ghost in the machine" es una categoría filosófica acuñada por Gilber Ryle. En este acto de acuñación Sting casi como resistencia -en sentido del psicoanálisis- se muestra parte como un maestro de literatura, parte como músico y como un ciudadano liberal preocupado de los asuntos de la política. Este elemento -liberal- simplemente señala el tono de la crítica, que es más bien reformista que revolucionaria. Tal vez esto propicio un alcance tan masivo para la música de esta banda.
Volviendo a la música, al aspecto interpretativo, cabe destacar la maestría de Sting, Andy Summers y Stewart Copeland para interpretar sus instrumentos. El abordaje tan particular que tienen para interpretar su instrumento, de la mano del genio compositivo de Sting hacen que esta música sea clásica en términos de su poder de trascendencia, ya sea en términos de la memoria auditiva, su popularidad, lo que sea.

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21.8.07

Frank Zappa "Joe's garage, Acts I, II & III"


Frank Zappa "Joes garage, Acts I, II & III"

1. The Central Scrutinizer
2. Joe's Garage
3. Catholic Girls
4. Crew Slut
5. Fembot in a Wet T-Shirt
6. On the Bus
7. Why Does It Hurt When I Pee?
8. Lucille Has Messed My Mind Up
9. Scrutinizer Postlude
10. A Token of My Extreme
11. Stick It Out
12. Sy Borg

Este es más que un gran disco de rock. Es una epopeya dramática. Este disco tiene más forma de obra de teatro que de disco, algo que queda aclarado en el título. Joe's garage es una especie de West-side story del rock. En este disco la historia es contada como comic pornográfico. Frank Zappa logra caricaturizar las grandes amenazas de las sociedad norteamericana con una mirada profundamente crítica y con un música frenéticamente arreglada con un genio de dimensiones solo comparable al de pocos compositores contemporáneos.
El humor dramtúrgico es un vieja herencia de los Mothers of invention y con foco porsupuesto escenico.
En Joe's Garage Frank Zappa ha logrado una madurez que le permite ahora plasmar la obra de teatro en un disco. Uno, al escuchar este disco puede seguir la historia de Joe, un muchacho común y corriente que se encierra por las tardes con sus amigos en el garage de su casa para hacer música. Joe tiene una novia, una chica católica. Esto da pie a una grán satira del "tipo": "chica católica". Como siempre Zappa ataca a los esteriotipos de los roles que le asigna la sociedad a la mujer. Como siempre el ingenio de Zappa nos está desafiando. La melodía de esta canción es la misma de la canción "Jewish Princess", donde realiza la misma actividad crítica pero con otro estereotipo de mujer.
A Joe y sus amigos le va muy bien con la banda. Pero por alguna razón la sociedad necesita reprimir, a través de "scrutanaizer central" -una especie de robot volador que se asegura que se cumplan las buenas costumbres y que no se toque música.
En esta gran obra músical que tiene todo lo que hace caracteriza a Zappa, mucha improvisación, canciones con letras muy ocurrentes. Grandes arreglos de coros vocales.
Una gran historia contada con música muy bella.

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Baden Powell "Bossa Nova Guitarra Jubileu"


Super Music Index
Baden Powell "Bossa Nova Guitarra Jubileu"

1. Samba Triste
2. Chanson d'Hiver
3. Garota de Ipanema
4. Euridice
5. Deve Ser Amor
6. Bachiana
7. Choro Para Metrônomo
8. Berceuse a Jussara
9. Adagio
10. Berimbau
11. Samba en Preludio
12. Prelude
13. Manha de Carnaval

Baden Powell de Aquino, el guitarrista brasilero que creó -tal vez- la música más bella del mundo. Uno de los importantes gestores, junto a figuras como Jobim, Vinicius, Joao Gilberto y Toquinho de la Bossa Nova. Un músico que logró encontrar en la música la voz de un pueblo conjugando las miserias de la vida con el optimismo que recibe con gracia lo que la vida le ofrece. Un música que traspasó las fronteras de su país inscribiendo su nombre en el cancionario del jazz.
En este disco acompañana a Powell, Charlie Byrd y Joao Gilberto. Un disco instrumental que despliega una gran destreza en un instrumento tan sencilla como la guitarra acústica. La música de este disco es como una sesión de acupuntura para reducir el stress. Sentiremos la tensión de la cuerdas penetran los puntos de nuestro cuerpo donde se anudan las tensiones. Un sonido primitivo que aliviará nuestras penas y nos recordarán muchas otras. Un disco que nos emocionará y nos regalará la experiencia de "sentir". La música de este disco penetrará en su cuerpo y tocará su alma.
Un disco con canciones gloriosas como Garota de Ipanema, que nos transporta en el tiempo y el espacio. Una interpretación muy mínima de una canción gigantesca. Una guitarra acustica nos descubre todo un nuevo rango de arreglos de esta gran canción que ya hemos reseñado al menos en algún otro disco. (Sinatra y Jobim). Música con olor a mar. Este disco impactará profundamente sobre su estado de ánimo. Los médicos deberían aconsejar a sus pacientes acongojados de stress que escuchen este disco como parte de su terapia. Un disco que se apoderará de su persona con su rítmo calmo.
La música de Baden Powel suena a madera y se siente como un látigo de las cuerdas de nylon sobre la partesuperior de las uñas. Musica con un sonido muy puro y noble.
Este disco bastante contemporáneo (editado en 1993)tiene grandes canciones.
Una de mis faboritas es Berimbau. Toquinho comienza sus shows en vivo -los de Buenos Aires- con esa canción. Esta es una gran canción que tiene una estructura armónica que pone de manifiesto la singularidad del instrumento de cuerdas.
La Samba triste también es una gran canción que pone al servicio de la nostalgia un gran despliegue musical. La guitarra aquí es acompañada con un contrabajo y percusión.
Un disco fantastico que profundizará su sensibilidad.

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3.8.07

Megadeth "Peace sells...but who's buying"


Megadeth "Peace sells...but who's buying"

1. Wake Up Dead
2. The Conjuring
3. Peace Sells
4. Devil's Island
5. Good Mourning / Black Friday
6. Bad Omen
7. I Ain't Superstitious
8. My Last Words
9. Wake Up Dead (Randy Burns Mix) - previously unreleased
10. The Conjuring (Randy Burns Mix) - previously unreleased
11. Peace Sells (Randy Burns Mix) - previously unreleased
12. Good Mourning / Black Friday (Randy Burns Mix) - previously unreleased

Una de las bandas que ocupa el podio del metal junto a Metallica -banda en la que Dave Mustaine fue miembro integrante-, Slayer y Anthrax. Megadeth supo distinguirse en el mundo del metal con un sonido muy personal y un estilo de composición muy intrincado.
Una gran banda que debido a ciertos defectos de personalidad del gran líder Mustaine, como su debilidad por las drogas y el alcohol, ha tenido una discografía errática. La discografía de Megadeth es un tanto irregular, salvo la última etapa que logró cierta estabilidad.
A pesar de esto, Megadeth supo sacar discos épicos. Y si hay un disco épico de Megadeth es éste.
Con un estilo de composición que roza el barroco. Canciones intrincadas, con muchas partes, secciones, puentes y solos prodigiosos de la mano de dos grandes guitarristas como Chris Poland y Dave Mustaine.
Esta sofisticación compositiva es combinada con un terrible rabia que caracteriza al "colorado" Mustaine.
Un disco con grandes canciones. Y si hay grandes canciones esa es la que le da título a este disco. La canción "Peace sells...but who's buying" sigue erizándome la piel.
La letra lo dice todo.
A pesar que no podemos decir estríctamente que el metal sea música de protesta. Megadeth en este disco -aunque no lo podamos generalizar para todo el género- demuestra que el metal puede ser vehículo de cuestionamientos políticos importante.

What do you mean, "I don't believe in God"? / Que quieres decir con que "no creo en dios"
I talk to him every day. / Hablo con él todos los días.
What do you mean, "I don't support your system"? / Que quieres decir con que "no apoyo tu sistema"
I go to court when I have to. / Voy a la corte cuando tengo que hacerlo.
What do you mean, "I can't get to work on time"? /Que quieres decir con que "no puedo llegar al trabajo a tiempo"
I got nothing better to do / No tengo nada mejor que hacer
And, what do you mean, "I don't pay my bills"? Que quieres decir con que "no pago mis cuentas"
Why do you think I'm broke? Huh? / ¿Porque crees que estoy quebrado? ¿Eh?

If there's a new way, / Si hay un nuevo camino.
I'll be the first in line. / Voy a ser el primero en línea
But, it better work this time. / Pero mejor trabajar esta vez.

What do you mean, "I hurt your feelings"? / Que quieres decir con que "herí tus sentimientos"
I didn't know you had any feelings. / No sabía que tenías sentimientos.
What do you mean, "I ain't kind"? Que quieres decir con que "no soy bueno"
I'm just not your kind. /simplemente no soy tu clase de bueno.
What do you mean, "I couldn't be president, of the United States of America"? / Que quieres decir con que "no puedo ser el presidente de Estado Unidos"
Tell me something, it's still "We the people", right? / Decime algo, acaso todavía "nosotros la gente" ¿No es así?

Can you put a price on peace? / Le podés poner un precio a la paz.
Peace, / Paz
Peace sells..., / Paz en Venta.

En estos renovados tiempos de guerra una pregunta desesperada.
PAZ EN VENTA ¿PERO QUIEN COMPRA?

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John Scofield "Groove elation"


John Scofield "Groove elation"

1. Lazy
2. Peculiar
3. Let the Cat Out
4. Kool
5. Old Soul
6. Groove Elation
7. Carlos
8. Soft Shoe
9. Let it Shine
10. Bigtop

John Scofield forma parte de la realeza del Jazz. Este guitarrista que supo templar un estilo único nos presenta en este disco una muestra un rango muy variado de groove. Si hay algo que Scotfield tiene es rítmo. Fraseos únicos, que nos cambian la marca escurridísamente.
Scotfield sabe tocar blues, con groove, jazz, con groove, y funk con groove.
El partener de músicos como Miles Davis, Jaco Pastorius e incluso Medesky Martin & Wood, despliega en este disco de 1995 todo su arsenal de guitarra.
Música con mucha sustancia en claves standard. Pero si hay algo que no es el sonido de Scotfield es Standard. No puede tocar ni el blues derecho. Pero esto más que un defecto es una virtud.
La música de Scotfield es como la pintura de Picasso. Uno no tiene que intentar ver las formas de manera convencional, sino dejar volar la imaginación para que los silencios, las notas que nunca se tocan terminen de pintar la melodía.
Fraseos muy entrecortados. Pasos en fálsos. El canto embriagado.
La música de Scotfield encierra un espíritu dionisíaco. Y en esa fascinación, en esa intoxicación de la música que encontraremos la esencia de la verdad a través de lo sublime.
"Groove elation" es un disco que nos invita a leer el banquete de Platón para encontrar la esencia de la verdad de la música de Scotfield.
Descontamos el talento y virtuosismo de este guitarrista. Una originalidad que lo descubre a las pocas notas. Un sonido inconfundible y una gracia singular.
Un disco que puede tentar una escucha analítica. Una tentación ineludible en tan atractiva métrica.
Para saborer de forma más simple y plena esta música basta con encontrar el beat, el rítmo, el golpe donde toda la libertad anárquica se encuentra sincrónicamente. La escencia del groove.

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28.7.07

Jamiroquai "Emergency On Planet Earth"



1. When You Gonna Learn (Digeridoo)
2. Too Young To Die
3. Hooked Up
4. If I Like It, I Do It
5. Music Of the Mind
6. Emergency On Planet Earth
7. Whatever It Is, I Just Can't Stop
8. Blow Your Mind
9. Revolution 1993
10. Didgin' Out

Una verdadera sorpresa. No lo vimos venir. Simplemente apareció. Esta banda que hacía una especie de música disco, que era mucho más que eso. Que tenía mucho groove, como las verdaderas bandas de funk, casi te diría tanto como Parliament y James Brown. El tema es que eran blanquitos e ingleses. Un sonido muy contemporáneo, un personaje que usaba sombreros extravagantes y bailaba con mucha destreza, y un mensaje ecologista con una mirada muy singular.
Jamiroquai nos hizo bailar durante la década del 90 mientras que al mismo tiempo nos anunciaba que a este rítmo ibamos a destruir el planeta y nos llamaban a hacer algo al respecto. Nosotros solo nos quedamos bailando. De todas maneras aquí podemos reconocer como la música funciona como vehículo para mensajes. En este caso, salvemos la tierra.
Estos muchachos hablaban sobre la ecología antes de que se pusiera de moda "Unconvinient truth", además lo hacen con mucho más rítmo y con una visión que tal vez solo y apenas podíamos entreveer en los dibujitos animados (cartoons) donde los niños del mañana deberían habitar otros planetas. En este sentido, el discurso ecologista de Jamiroquai adquiere una dimensión cósmica.
Esta banda conjuga el espacio y lo primitivo del hombre, tal vez con una visión un poco Roussoneana al hacer referencia a los discos Iroquai en su nombre.
Jamiroquai, significa basicamente esto, un Jam de indios Iroquai, una zappada trivial, en la selva.


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77 Mb

Corrosion of Conformity "Wiseblood"



Corrosion of Conformity "Wiseblood"

1. King Of The Rotten
2. Long Whip / Big America
3. Wiseblood
4. Goodbye Windows
5. Born Again For The Last Time
6. Drowning In A Daydream
7. Snake Has No Head, The
8. Door, The
9. Man Or Ash - (with James Hetfield)
10. Redemption City
11. Wishbone (Some Tomorrow)
12. Fuel
13. Bottom Feeder

Aquí lo que predomina son dos cosas. La primera es la mística. La segunda el tema "Fuel" que es una de las cosas más grandiosas que escuché en mi vida.
Empecemos por la primera. Corrosion of Conformity (C.O.C) es una de las bandas iniciadoras del Hardcore en el medio oeste de los Estados Unidos. Estos muchachos son de Carolina del Norte y fueron la principal fuente de inspiración e influencia para el Hardcore dentro de su sona geográfica de influencia.
Esta banda siempre se destacó por su originalidad. Incluso en sú época de Hardcore, porque sin duda Corrosion of Conformity también tuvo y tiene un momento que es muy diferente a los comienzos a principios de los años 80. La música que hacían entonces era realmente especial. Si quieren entender la noción de acontecimiento en el sentido que le asigna Martin Heidegger, escuchar los primeros discos de C.O.C ayuda mucho. Sin duda un acontecimiento singular.
Ahora se podrán preguntar porque en vez de publicar aquí este disco no presento Animosity o Eye for an eye.
Sin duda este disco de 1996 asimila lo mejor de todos los discos anteriores. La música y el estilo han mutado a un HardRock, a un Heavy Metal muy roquero. Tal vez más cercano -y esto discho de manera muy precaria, porque todas estas bandas son únicas- a Rage Against the Machine y Audioslave. Sí, sin duda una acertación polémica. Pero una vez que escuchen los riffs entrecortados, el groove, el rítmo y la composición, a partir de riffs, que juegan con un simplicidad pero con una gracia y un estilo únicos.
Este disco presenta a un músico invitado, James Hetfield de Metallica en la canción "Man Or Ash". Esto ya de por sí dice algo sobre el virage de C.O.C.
Bottom feeder(El Que Come Abajo)también es una canción muy interesante con un mensage que revela el origen de la furia del espíritu (y por quintigésima vez, no soy hegeliano) de Corrosion of Conformity. Si tuviera que resumir en una oración de que se trata el mensaje de C.O.C, diría "Maten a la realeza". Ojo, no tenés que tener sangre real para que estos pibes quieran bajarte de un ondazo.
La segunda razón era la canción "Fuel". Cuando escuché esta canción (vale la pena la anécdota)en un complilado en el que había tirado a manotazos canciones de bandas pesadas que no escuchaba hace años, como Cro-Mags, Black Flag, Bad Brains, etc.; me estremecía. Estaba, digámos, en el colectivo, en algún lugar así, y de repente, sin que supiera que cargaba conmigo con una joya semejante como esta canción. Derrente, la cuenta de la batería, y después de una breve introducción arranca el más corrosivo Hardcore. De repente, vuelven al mismo rítmo de medio tiempo típico de C.O.C, aceleran un puco más, como en una canción de Metal, pero se desbocan y empiezan a correr como locos, como si estuviéramos de vuelta en los 80. Pero, hay un corte, muy sofisticado y entra un rítmo con un groove, en el que cada uno de los integrantes de la banda contribuye de una manera única. Pero el que marca la cancha, el que realmente se destaca como un gran músico es el baterista Stanton Moore. Stanton Moore es un excelente baterista. Si les gusta la batería este tipo les va a abrir los ojos. Cuidado, tal vez lo haga de un gancho a la mandibula. Pero el que quiere peces, que se moje el culo (Dicho Popular).
Señores, un disco de HardRock, Heavy Metal a lo sumo, que esconde un compendio de la música pesada en la canción "Fuel". El disco es muy bueno, pero esta canción es una pieza arqueológica en la que cristaliza buena parte de la música de protesta en una sola pieza.


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135 Mb

22.7.07

Frank Sinatra & Antonio Carlos Jobim "Sinatra - Jobin"



Francis Albert Sinatra & Antonio Carlos Jobim "Sinatra - Jobin"

1. The Girl From Ipanema
2. Dindi
3. Change Partners
4. Quiet Nights Of Quiet Stars
5. Meditation
6. If You Never Come To Me
7. How Insensitive
8. I Concentrate On You
9. Baubles, Bangles And Beads
10. Once I Loved

Se me hace muy intimidante hablar sobre este disco. Este no es otro disco, un encuentro vanal, un hecho intrascendente. Esto no es joda. Este disco es pesuqui, pesuqui, pesuqui. Una obra clásica consagrada, indispensable y de un calibre y sustancia sobrecogedora.
Un disco despojado, donde con lo necesario se logra lo extraordinario. Sutileza, sofisticación, encanto. Estos son los atributos de la música de este disco.
Pero este disco es más que música. Es también grandes personalidades, tan grandes como Frank Sinatra y Antonio Carlos Jobim. Sin duda estos nombres pueden inscribirse en los grandes anales de los grandes músicos junto a Gershwin, Piazzolla, Frank Zappa, los Beatles y Jimi Hendrix. Y como podrán ver esta selección no reconoce el género. Esto significa que esta consideración va más allá del Jazz, la Bossa Nova, la balada, la canción. Estos son dos gigantes de la música que se encontraron dando lugar a un acontecimiento que pudo ser documentado en este disco que capta el encuentro.
Dos hombres que provenían de dos lugares diferentes, con una lengua diferente. Existe una gran brecha entre Brasil y Estados Unidos. Dos hombre que a pesar de la geografía hablaban un lenguaje común: la música.
Una conversación muy virtuosa, en la que predomina el respeto, donde hay una gran "escucha" del "otro".
Este disco no solo muestra la madurez de estos musicos, sino también cierta madurez "musical" de dos pueblos como el de Brasil y Estados Unidos. Está presente esta marca nacional, un pulso nativo que logra articularse manteniendo lo genuino de cada voz. De hecho esta cantado en inglés y portugués.
Es también un disco que puede despertar cierta nostalgia de un momento donde en el cono sur -y con mayor énfasis en los paises australes- se tenía una visión de porvenir y bienestar que el futuro supo pisotear.
Pero al menos nos queda la música y el espíritu (sin querer pecar en absoluto de hegueliano, ni "Nitszche-wagneriano") que ella transmite. Me puse un poco pretencioso ¿no?
En definitiva, un super disco, un discazo, una masa, grosso (grosísimo), un flash. Lo tenés que escuchar. Bah, digo.



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26.23 Mb

18.7.07

Wayne Krantz "Live in Oslo 1998"



Wayne Krantz "Live in Oslo 1998"

1. Track 1.
2. Track 2.
3. Track 3.
4. Track 4.
5. Track 5.
6. Track 6.
7. Track 7.
8. Track 8.

Ante todo empezar por aclarar que este disco no existe, en el sentido que nunca se lanzó por ningún sello discográfico. Y para ser honesto con Ustedes no se si incluso hay muchos discos de este muy original guitarrista que Wayne Krantz.
En principio diría que son dos los discos de este músico de gran trayectoria los que podemos conseguir. "Signals" y "Two drink minimal" título que pone al descubierto un sentido del humor muy cálido, cuando no hace otra cosa que reirse de su propia situación, de ser un músico relegado al circuito de los bares, donde la entrada al show es consumir por lo menos 2 tragos.
La música de Krantz tiene una gran personalidad y su enfoque muy singular. Su música siempre nos está desafiando, pero nunca de forma confrontativa, sino que lo hace mostrándonos nuevos rítmos, nuevas cadencias, dentro de progresiones convencionales de jazz fusion.
En este sentido Wayne Krantz lleva el jazz fuision a nuevos ámbitos rítmicos, que tampoco son étnicos.
Krantz logra desarticular el groove y presentarlo de una manera completamente innovadora.
Su música no guarda demasiados secretos. La formación de este trio con batería, bajo y guitarra lográn dar un importante volúmen.
Como dijímos anteriormente, este disco es una grabación en vivo que no intentaba ser lanzada como disco. A pesar de esto la calidad de audio nos permitirá tener una idea muy bien acabada de que se trata la música de este guitarrista tan excepcional como original.


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78.23 Mb

Emerson Lake & Palmer "Trilogy"



Emerson Lake & Palmer "Trilogy"

1. Endless Enigma (Part One),
2. Fugue Listen Listen
3. Endless Enigma (Part Two), The
4. From The Beginning
5. Sheriff, The
6. Hoedown
7. Trilogy
8. Living Sin
9. Abaddon's Bolero

Entiendo que puede ser un poco intimidante. Ante todo el nombre suena a epopeya. Emrson, Lake y Palmer, esos nombres suenan a próceres. Personas que hicieron algo más grande que ellos mismos y serán recordados e inmortalizarados en bronce. Tal vez esa imagen de fantasía se realice facticamente. Tal vez, mi amigo John Lire del Blog "el ladrón de links" insistirá en que otra vez estoy exagerando. Como siempre es posible que tenga razón.
Sin embargo esto no tiene nada que ver con la tremenda sustancia de la música de este trio.
Ya que estamos diciendo cualquier cosa, permítanme una metáfora desaforada. Emerson, Laque y Palmer es una especie de Return to Forever (la mítica banda formada por Chick Corea, Al DiMeola, Stanley Clark y Lenny White) pero pesada. Decir que este trio hace jazz fusión pesado es un poco exagerado e ilegítimo.
Emerson Lake y Palmer es una banda de Rock. La singularidad de su formación, piano, hammond y todo tipo de organo y sintetizador existente durante la década del 70, bajo y batería.
Aún así, aunque sigue siendo una banda de Rock, este género no logra encorsetar por completo una música tan meticulosamente y robusta como la de Emerson, Lake y Palmer.
En este fascinante disco exploran el bolero, la balada y el rock hiper kinético y los límites de la improvisación.
En muchos sentidos este disco arremete contra los límites. Su sonido es muy experimental. Pero aquí la experimentación tiene un importante y criterioso respaldo.
Un sonido más allá de nuestro actual tiempo contemporáneo.
Una selva de arreglos, rítmos muy ajustados, sobresaltos y tensiones al límite de la tolerancia del oído humano. Tanto es así que estos tres muchachos, Emerson, Lake y también Palmer son protagonistas de una muy singular historia. Al parecer en uno de sus conciertos uno de los integrantes notó que salía sangre de sus oídos. Si escuchan este disco se darán cuenta que esta es una historia muy verosimil.
Un trabajo magistral que muestra una destreza extrordinaria de estos tres grandes virtuosos.
Al mismo tiempo este disco logra encontrar un equilibrio entre la imrpovisación anárquica, las composiciones laberínticas y la forma canción.
Sin duda la mejor canción -en ese formato- sea Hoedown. Este disco trae dos versiones de esta canción, una de ellas en vivo.
Nota de color: En 1974 cuando Emerson, Lake y Palmer tocó en Buenos Aires, Emerson quien era un gran admirador del compositor argentino Alberto Ginastera le rindió un tributo tocando temas suyos. Tal vez lo más cómico sea que nadie de la audiencia -está bien, había un señor de sweater rojo que sí sabía- quien era Alberto Ginastera. El gran comopositor argentino fallecido en Suiza. Seguro que en Suiza lo conocén más que acá, quienes en 2002 realizaron en monumento al compositor en su honor en la ciudad de Ginebra.


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13.7.07

Benny Carter & Oscar Peterson "Carter Meets Peterson"



Benny Carter & Oscar Peterson "Carter Meets Peterson"

1. Just Friends
2. Sweet Lorraine
3. Baubles, Bangles And Beads
4. It's A Wonderful World
5. If I Had You
6. Whispering
7. Some Kind Of Blues

Este disco de dos personalidad clásicas del jazz esbastante reciente, si consideramos que se grabó en 1987. En este sentido es un disco donde estos grandes maestros están en total control de la situación en todo momento.
La madurez con la que está encarado este disco no es pormenorizado por los dedos pícaros de Peterson que imprimen un muy alegre y agradable encuadre.
"Alegre" es sin duda un adjetivo que podemos atribuir a este disco. Con un eufórica algría Oscar y Benny te van a estremecer.
Un dico que logra buenos ambientes. Aunque la mayor parte del tiempo es muy consistente con standards con beat up-tempo y medio-tempo. Canciones mayores, con rondas de improvisación que se vuelven más incisvas a lo largo de los compases.
Acompaña a estos grandes Joe Pass en guitarra, quien se hace notar muy bien, y encuentra buenos climax en sus solos.
Tal vez no sea uno de esos discos legendarios que puedas mencionar en voz alta en las reuniones sociales de manera snob. Pero si lo que te gusta es escuchar música, en especial formaciones que tengan esta particular formación de piano, saxo, bajo, guitarra y batería, sin duda alguna este es un gran exponente de un jazz limpio y vivaz.
Un disco que se escucha bien, una grabación moderna que demuestra la bienlogradada experiencia de grandes del jazz.

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Bad Brains "Bad Brains"



Bad Brains "Bad Brains"

1. Sailin' On Listen
2. Don't Need It
3. Attitude Listen
4. The Regulator
5. Banned In D.C.
6. Jah Calling
7. Supertouch/Shitfit
8. Leaving Babylon
9. Fearless Vampire Killers
10. I
11. Big Take Over
12. Pay To Cum
13. Right Brigade
14. I Luv I Jah
15. Intro
16. Bonus Track

Un disco que definitivamente sacudió con un golpe la música abriendo un puente de transición entre la tradición punk y todo lo que deveniría en el hardcore.
Una banda rabiosa que interpretan con exhuberante velocidad y mucha gracia canciones símples, cortas, directas, pero con un profundo insight "melódico".
Una especie de Ramones, pero virtuosos en la ejecución de sus instrumentos. Esta banda se convirtió en leyenda por una importante combinación de atributos que hacían que la banda se destaque prominentemente en la minúscula y clandestina escena punk de principios de los años 80 en Estados Unidos.
Estos cuatro chicos negros se internaron en un género habitado casi exclusivamente por blancos y lo hacían con mucho más talento que ninguna otra banda.
Tenemos que reconocer el aspecto de protesta de esta banda que está más que implícito en el género. Pero incluso dentro del mismo género Bad Brains siempre adoptó una posición crítica, nunca siendo demasiado doctrinarios, salvo durante algún breve período en el que se convirtieron a la religión Rasta Fari.
Así es, Bad Brains combina cuestiones tan antagónicas como el punk y el Rasta Fari, lo místico y lo pragmático, siendo siempre muy genuinos. Sin duda una banda única e irrepetible.
Cada uno de los miembros de la banda es un eximio instrumentista, empezando por H.R, cantante de la banda, quien tiene un alcance y un registro excepcional. Cambia raudamente de un alarido alto a un berso bajo y lento, trazando un dibujo bello en el medio. Dr. Know es sin duda un virtuoso de la guitarra. Que toque con mucha rabia no significa que lo que toca no sea bello.

Este disco grabado artesanalmente en 1982, el primero de Bad Brains a pesar de su sonido rudimentario rejuveneció el rock y creo el espacio para un aconecimiento social e histórico irrepetible.

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8.7.07

Metallica "...and justice for all"


Metallica "...and justice for all"

1. Blackened
2. ...And Justice For All
3. Eye Of The Beholder
4. One
5. The Shortest Straw
6. Harvester Of Sorrow
7. The Frayed Ends Of Sanity
8. To Live Is To Die
9. Dyers Eve

Una obra maestra de la música. Este disco de 1989 es sin duda un momento crucial de la historia de la música en occidente. Un acontecimiento trascendetal que volvería a sacudir la percepción musical del hombre. Aquí, en el Super Music Index, ya hemos publicado discos de bandas que tocan muy rápido, con mucha ferocidad, que componen con mucho ingenio. Pero este disco combina todo eso en un medida virtuosamente prudente, con un sofisticación de arreglos, una gracia en la forma y un sentido comprometido de las grandes cuestiones de la "polis" como es en este caso, la justicia.
Una obra de dimensiones magníficas. Este disco hay considerarlo como algo más importante que un mero disco. Aquí hay una gran obra épica. Esto es casi como una gran opera. Tiene su gran dramatismo, furia, impotencia, miedo, desolación, y sus grandes momentos de redención.
"...and justice for all" es un gran disco en muchos sentidos. Empecemos con el juego de palabras, que en definitiva, es lo más simple de este complejo disco. La traducción de "...and justice for all" y (fónéticamente /in/) justicia para todos. Básicamente es un juego de palabras con una frase del himno de los Estados Unidos que garanticia libertar ... y justicia para todos. Metallica intenta partir este enunciado por la mitad para dejar al desnudo con lo que en realidad se quedan, con injusticia.
En palabras de Metallica:

Justice Is Lost / La justicia está perdida
Justice Is Raped / La justicia ha sido violada
Justice Is Gone / La justicia se acabó
Pulling Your Strings / tirando de los hilos
Justice Is Done / La justicia se acabó
Seeking No Truth / No busca ninguna verdad
Winning Is All / Ganar lo es todo
Find it So Grim / encontrándolo tan severo
So True / tan verdadero
So Real / tan real

Dramátiso a lo largo de los 9 minutos y 45 segundos que dura la canción. Canción que además de ser muy larga tiene muchas partes y cortes. Pero lo más interesante de esta canción es el compás en el que es tocada. No puedo decir a ciencia cierta que compás, lo que sí se es que en el primer compás resuleven con un corchea, y en el siguiente con un corchea con puntillo. Esto hace que tenga un ritmo muy entrecortado.
Este disco no es al estilo Pantera en el sentido del "despliegue vulgar de poder". En este caso es un "despliegue compulsivamente ordenado de poder".
El primer disco con su nuevo bajista Jason Newsted (tal vez más conocido por el reality show "Rockstar supernova" en el que lo acompañan Tommy Lee y Gilby Clarck) tras la muerte de Cliff Burton en un trágico accidente de su autobus durante la gira del disco "Ride the lightning". En el medio hay un E.P. "Garage days..." que no es considerado un verdadero disco, en el que Newsted entraba en calor con la banda. Sin duda Jason tuvo que ocupar un lugar muy difícil de llenar.
Este disco de Thrash metal también creó una cuña ya es que el primer disco de Metallica en tener una power ballad como "one". El video de "One" fue el primer video de Heavy Metal transmitido por MTV. Esto significó el ingreso de Metallica a todo un nuevo público. También esto con el decline del metal alejaron a Metallica de esta senda por música mucho más convencional.
Este disco embarco a Metallica en su gira más extensas. Una empresa solo comparable con el tamaño de esta obra maestra del metal.
Un gran disco que invita a escucharlo íntimamente.

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Wes Montgomery "SO Much Guitar!"



1. Twisted Blues
2. Cotton Tail
3. I Wish I Knew
4. I'm Just A Lucky So And So
5. Repetition
6. Something Like Bags
7. While We're Young
8. One For My Baby (And One More For The Road)

Todos podemos nombrar con facilidad leyendas del jazz que se destacaron en el piano, la trompeta, el saxo, hasta la batería, pero cuando nos detenemos en la guitarra, claramente no son muchos los héroes de la guitarra en el jazz. Sin duda están primero Dyango e indiscutiblemente después Wes Montgmery.
El rasgo distintivo y técnica que desarrolló Montgomery eran las octavas. Wes Montgomery lograba su sonido característico tocando las melodías tocando una nota y su octava al mismo tiempo, arrástrándolas y deslizándose muy gentilmente por todo el diapasón.
Un guitarrista muy agrasiado que interpreta con mucha delicia un jazz con mucho rítmo.
En este dísco, como acusa el nómbre, se encontrarán con mucha guitarra. Un disco que tiene algunos matices blues. En otras palabras este es un gran disco de guitarra de jazz, pero aquellos que les guste el blues, encontrarán aquí un gran disco.
A pesar de que la firma característica de Wes Montgomery sean las octavas, en este disco de 1961 despliega un enorme arsenal técnico y una gran sensibilidad.
En este disco lo acompañan algunos grandes como Hank Jones en piano y otro miembro del salón de la fama del Super Music Index, Ron Carter.
En "While We're Young" encontramos una balada interpretada solo en guitarra.
Un disco muy variado. Baladas, blues, jazz, guitarra y mucho rítmo.
Más bien un disco tranquilo, con un guitarra muy dulce que acariciará tus oídos.
Wes, un tipo que dice las cosas claras. Nada de efectos. Lo que toca, lo toca ahí y ya.

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18.6.07

Bud Shank (Junto a Chet Baker y Joe Pass) "Brazil Brazil Brazil"




Bud Shank (Junto a Chet Baker y Joe Pass) "Brazil Brazil Brazil"

1. Summer Samba (So Nice) - 2:30
2. Elizete - 3:23
3. Nocturno - 3:01
4. Otem A Note - 2:41
5. Carnival - 2:22
6. Sausalito - 2:49
7. If I Should Lose You - 2:56
8. Carioca Hills - 2:35
9. Samba Do Aviao - 2:58
10. I Didn't Want To Know What Time It Was - 2:45
11. Quiet Nights (Corcovado) - 3:01
12. The Color Of Her Hair - 1:56

Este disco es indiscutidamente fenomenal. Conjuga un grupo sin igual de músicos muy sensibles que leen en clave de jazz el cancionero de la bossa nova. Canciones ya consagradas interpretadas con mucha gracias. Matices y atmósferas "lounge" que lograrán transportarlo en el tiempo y el espacio. cuando escuches este disco sentirá la brisa del mar acariciando su cara, verá una época de bienestar y progreso donde se cristalizó una nueva identidad popular de una Nación tan grande y bella como nuestra vecina Brasil.
En este disco participa un notorio grupo de músicos entre los que se destacan el trompetista y cantante Chet Baker (Ver), el guitarrista Joe Pass, Joao Donato y Clare Fischer en Piano, Bob Florence como Arreglador y conductor y por supuesto el mismo Bud Shank en saxo alto y flauta.
La anegdota de este disco es que es la primer grabación importante en la que participó Chet Baker después del incidente que en 1966 habría dañado su boca impdiéndole tocar su instrumento por un tiempo.
Este disco lo enamorará. Una grabación fascinante que le abrirá el corazón y lo deleiterá con una música muy bella.
Este es un disco que tiene que bajar independientemente del estilo de música que le guste escuchar.


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14.6.07

Steve Vai "Flex-able"



Steve Vai "Flex-able"

1. Little Green Men
2. Viv Woman
3. Lovers Are Crazy
4. Salamanders In The Sun
5. The Boy/Girl Song
6. The Attitude Song
7. Call It Sleep
8. Junkie
9. Bill's Private Parts
10. Next Stop Earth
11. There's Something Dead In Here
12. Leftovers (Bonus Tracks): So Happy
13. Leftovers (Bonus Tracks): Bledsoe Bluvd
14. Leftovers (Bonus Tracks): Burnin' Down The Mountain
15. Leftovers (Bonus Tracks): Chronic Insomnia

Un disco increible muy influenciado por Frank Zappa y extraterrestres. Este, el primer disco solista de Steve Vai presenta una forma de ejecutar la guitarra y de componer muy peculiar. A medio camino entre el Rock y el Folk, con elementos y sonidos extraños y estridentes. Tenemos desde una conversación de aliens reproducida con guitarra hasta voces pitcheadas, sin duda un trabajo muy interesante de experimentación y de cierre de un etapa para Steve Vai.
Recordemos que a principios de los años 80 Steve Vai tocaba la "Stunt Guitar" en la banda Frank Zappa. Existen anégdotas muy interesantes sobre la relación entre Zappa y Vai, como por ejemplo que Zappa realizaba prácticas de dictado rítmico jugando al ping-pong. Esto es, Vai tenía que escribir o solfear al rítmo de la pelota de ping-pong.
Independientemente si esto es cierto o no, lo que importa es tener bien presente el nivel interpretativo y de ejecución que encontraremos en este disco, en cuál por supuesto colaboran mucho más músicos, entre los cuales se encuetran varios sesionistas virtuosos que acompañarían a Vai en varios disco más, como Stuart Hamm , Chad Wackerman y Tommy Mars.
Un disco muy original y único. Con un sonido muy especial. Este estilo se perdería en detrimento del Rock a partir de 1986, cuando Steve Vai pasó a formar parte de la banda del ex-cantante de Van Halen, David Lee Roth. Después de esto Vai también formó parte de bandas como Whitesnake e incluso grabó jutno a PIL (Public Image Ltd.) un disco inolvidable. Es díf